Post impresionismo o postimpresionismo es un término
histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos a finales del siglo
XIX y principios del XX posteriores al impresionismo. Lo acuñó el crítico
británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul
Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh, que se celebró en Londres en
1910. Sus exponentes reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la
naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.
Los postimpresionistas ampliaron el Impresionismo al tiempo
que rechazaban sus limitaciones: siguieron utilizando colores vivos, a veces
empleando el impasto (aplicación espesa de pintura) y pintando del
natural, pero se inclinaban más por enfatizar las formas geométricas,
distorsionar la forma para conseguir un efecto expresivo y utilizar colores
poco naturales o modificados.
El impresionismo deriva su nombre de lo que el pintor ve, lo que le da la primera impresión, sea en el estudio o en el exterior, buscaron en ell color, el elememnto que les permitira hacer una impresión permamente sobre el espectador. Todos los artistas agrupados bajo el término
postimpresionismo conocieron y practicaron en algún momento los postulados
impresionistas, un movimiento pictórico que se desarrolló en la segunda mitad
del siglo XIX y que rompió los supuestos académicos, sociales y económicos
vigentes en el arte.
Al ser rechazados en los circuitos oficiales, el grupo de
los pintores impresionistas organizó sus propias exposiciones y mantuvo una
cohesión que duró hasta que, décadas después, algunos de ellos alcanzaron
cierto reconocimiento. De la disgregación de ese movimiento nació el
posimpresionismo en parte como evolución y en parte como ruptura.
El impresionismo supuso una ruptura de los conceptos
dominantes en la pintura y la escultura. Si hasta entonces primaban el estudio
racional de la obra, la composición sobre dibujos previos y la claridad de las
líneas, los impresionistas abandonaron ese suelo para tratar de captar en sus
obras la impresión espontánea, tal como llegaba a sus sentidos. No les
importaba tanto el objeto que se quería pintar como la sensación recibida. La
sensación fugaz, efímera, difícilmente perceptible y reproducible. Los pintores
impresionistas y postimpresionistas salieron a la calle, pintando lo que veían
aún detrás de los barrotes de su celda, Vincent Van Gogh pinto “Stary
Stary night” una de las pinturas más famosas y de mayor valor en el mundo,
el aislamiento en el Hospital, recluido por su “locura” no le impidió
mostrar lo que veía, lo que le impresionaba, entre lo real y lo imaginario, ya
que desde su cuarto-celda no se veía el pueblo, las pinceladas giratorias en el
cielo, son otra manifestación de su impresión interior, no forzosamente de la
realidad, así sentía el artista que el mundo giraba sin tener control.
Los pintores impresionistas abandonaron los talleres y salieron.
Sus modelos fueron la calle, el edificio, el paisaje, la persona, el hecho,
pero no en su concepción estática y permanente sino percibidos en ese momento
casi único. El pintor impresionista pintaba in situ y terminaba la obra con
rapidez. Utilizaba trazos sueltos, cortos y vigorosos. Los objetos y el propio
espacio no se delimitaban con líneas siguiendo los cánones renacentistas, sino
que se formaban en la retina del observador a partir de esos trazos imprecisos.
El impacto de la Revolución Industrial fue clave en la
nueva mirada artística posimpresionista. Los posimpresionistas representaban en
sus obras los nuevos avances industriales, como el ferrocarril (Lluvia, vapor y
velocidad, William Turner, 1844) o la electricidad en las calles (Terraza
de café por la noche, Vincent Van Gogh, 1888). Además, la industria
tecnológica iba a abrir las puertas al mundo del cine y la fotografía, cuyas
estéticas tuvieron un impacto tal en las artes pictóricas, y el arte posimpresionista
fue testigo de ello.
Postimpresionismo
Vincent Willem van Gogh: (Zundert, 30 de marzo de 1853-Auvers-sur-Oise,
29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales
exponentes del postimpresionismo.
Pintó unos 800 cuadros (entre ellos 43 autorretratos y 148
acuarelas) y realizó más de 1600 dibujos. Una figura central en su vida fue su
hermano menor Theo Van Gogh, marchante de arte en París, quien le prestó
apoyo financiero de manera continua y desinteresada. La gran amistad entre
ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde
agosto de 1872. De las 800 cartas que se conservan del pintor, unas 650 fueron
para Theo; las otras son correspondencia con amigos y familiares.
A traves de esta correspondencia escomo ha sido posible conocer los sentimientos de cada pintura, la pintura, los colores y la desesperación del pintor lo llevo a cortarse una oreja, porque en su locura o genialidad, como distinguir estos sentimientos,no encontró el color que le permitiera ar el amariilo que veía en los campos de trigo.
Desde joven tuvo inclinación hacia el dibujo. Su primer
trabajo fue en una galería de arte. Más tarde se convirtió en pastor
protestante y en 1879, a la edad de veintiséis años, se marchó como misionero a
una región minera de Bélgica, donde comenzó a dibujar a la gente de la
comunidad local. En 1885 pintó su primera gran obra, Los comedores de
patatas. En ese momento su paleta se componía principalmente de tonos
sombríos y terrosos. La luz y la preferencia por los colores vivos por la que
es conocido surgió posteriormente, cuando se trasladó al sur de Francia,
consiguiendo su plenitud durante su estancia en Arlés en 1888.
La calidad de su obra fue reconocida solo después de su
muerte, en una exposición retrospectiva en 1890, considerándose en la
actualidad uno de los grandes maestros de la historia de la pintura. Influyó
grandemente en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas
alemanes y los fauvistas como Matisse, Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen.
Falleció a los treinta y siete años por una herida de bala; aún no se sabe con
seguridad si fue un suicidio o un homicidio involuntario. A pesar de que existe
una tendencia general a especular que su enfermedad mental influyese en su
pintura, el crítico de arte Robert Hughes cree que las obras del artista
están ejecutadas bajo un completo control; de hecho, el pintor nunca trabajó en
los periodos en los que estaba enfermo. Penasmos que su enfermedad mental era la pintura, el no estar de acuerdo con los colores que imprimía, ya que pretendía llevar a la paleta lo que veía, esa inensidad de colores en su mente, de acuerdo a sus propias cartas a Theo, no pasaban a sus cuadros, que entonces mentían porque no era lo que el veía, por eso pinto tanto, por que cada cuadro era fundamentalmente un experimento para encontrar esa luz, que en su mejoretapa fue de colores estridentes que asombraban al mundo del arte, nadie había pintado así, con esa furia, con esa rabia que se veía plasmada en cada pincelada.
Quién puede distinguir entre la normalidad o la locura, y
como querer calificar al hombre por su vida, cuando deberíamos solamente gozar
de su arte, de la capacidad que mostró en sus lienzos para imprimir su realidad
en ese carrusel de colores.
Vincent van Gogh produjo
toda su obra (unas 900 pinturas y 1600 dibujos) durante un período de solamente
10 años (etapa de 1880 a 1890) hasta que sucumbió a la enfermedad mental
(posiblemente un trastorno bipolar o una epilepsia). Decidió ser pintor cuando
tenía veintisiete años y siempre quiso reflejar la vida en sus obras. Su
carrera pictórica está marcada por los lugares donde vivió y trabajó. Así se
aprecia en la primera etapa de los Países Bajos (1880-1886), donde la
pintura tradicional y popular de este país, exclusivamente en colores terrosos,
fueron lo que más influyó en obras como Los comedores de patatas y las
pinturas sobre los tejedores. Realizó numerosos dibujos de mineros, de
figuras campesinas y copió obras de su pintor favorito, Jean-François Millet.
La siguiente etapa, en París (1886-1887), es la que
le pone en contacto con los impresionistas que pretendían romper con el
academicismo de la época, con el traslado a la pintura de las impresiones de
sus sentidos mediante la observación de la naturaleza. En París, conoció
a pintores como Henri de Toulouse-Lautrec y Paul Signac, descubrió una
nueva percepción de la luz y el color, aprendió la división de las gamas claras
y los tonos y mostró una simplificación a la vez que una mayor intensidad en el
tratamiento de los colores. En esta época empezó a copiar láminas japonesas,
siendo uno de los pintores europeos a los que más influyó este tipo de
pintura.
Van Gogh autorretrato
La pintura impresionista descubrió el valor cambiante de la
luz y su movimiento, utilizando una rica paleta cromática de la que excluyeron
el negro porque el color negro, según decían, no existía en la naturaleza. El negro no existe por que el diablo se lo llevo al infierno, contesto en una de sus cartas a Theo, es lugubre y es sin duda el camino a la locura.
En Paris, contemplando la belleza de ellas, mis
amigas que me acompañaron, aprendí a comprender la pintura, no a verla
simplemente a permitir que a través de sus obras entraran como remolino los
sentimientos e impresiones de aquellos genios que nos legaron eternamente su
arte. No hay nada mejor que una mujer caminando el mundo, porque en ellas encuentro todo para apreciar el hermoso cuerpo y el arte.
Quizá Van Gogh representó mejor el
postimpresionismo, estilo que sucedió aproximadamente en el periodo entre 1885
y 1915. Representó una vía divergente del impresionismo, donde los pintores
hacen de la vida cotidiana su tema principal. Este término fue utilizado por primera
vez en 1910 por Roger Eliot Fry; surge del título que dio a la
exposición de la Grafton Gallery en Londres: «Manet y los postimpresionistas».
Fue utilizado por artistas como Cézanne, Van Gogh y Seurat, pero a veces
también por otros artistas de la gran década impresionista (1870-1880) como Matisse
y Pierre Bonnard.
Mujeres Bretonas (1888). Acuarela, Cívica de Arte Moderno, Milán, Italia.
Su obra destaca por el uso del color y una técnica
frenética que contiene algunos trazos del expresionismo. Van Gogh y Gauguin
tenían técnicas diferentes: Gauguin acostumbraba a pintar normalmente en
el taller de memoria y Van Gogh necesitaba siempre copiar in situ,
fuesen paisajes o un modelo. Su temperamento exaltado quiso demostrarlo por la
vía del color.
Los inicios del post-impresionismo aparecen durante las dos
últimas décadas del siglo XIX, en la obra de Van Gogh, La italiana de
finales de 1887, y en la de Edvard Munch (autor de El Grito) y, en otro
nivel, en la del belga James Ensor (autor de La entrada de Cristo a
Bruselas). Una tendencia a la que contribuiría Van Gogh después de su
llegada en 1888 a Arlés, donde el choque con la luz del sur le empuja a la
conquista del color, con obras como La noche estrellada y Los olivos de
Saint-Rémy (1889). Las pinturas del periodo de Saint-Rémy de Provence se
caracterizan en general por remolinos y espirales. El pintor transita desde la
dramatización de las escenas de sus primeros trabajos a la simplificación que
caracterizó sus últimas obras, en las que Van Gogh ya anuncia el
comienzo del expresionismo. Desarrolló un estilo de fuerte dramatismo y
prospección interior, y para ello se sirvió de pinceladas sinuosas y densas, de
intenso colorido y estridente luminosidad, que deformaban la realidad hasta
otorgarles un aire onírico. Sin embargo, habría que esperar a agosto de 1911,
cuando el crítico de arte Wilhelm Worringer fue el primero en hablar de
expresionismo.
El color y el empaste en la proyección de la pintura de Van
Gogh se formalizó quince años más tarde con el surgimiento del fovismo.
Según Van Gogh: «En lugar de reproducir con exactitud lo que tengo
delante de los ojos, prefiero servirme del color para expresarme con más
fuerza». Hermosa descripción del artista de su sentimiento el color es la
fuente de la riqueza espiritual que se traslada al lienzo como una ráfaga de
fuego.
El término fue utilizado en 1906, y de nuevo en 1910 por Roger
Fry en el título de una exposición de pintores franceses modernos: Manet
y los postimpresionistas, organizada por Fry para las Grafton Galleries
de Londres.
Noche Estrellada
La noche estrellada fue pintada por Van Gogh durante
el día en el estudio de la planta baja del manicomio de Saint-Paul-de
Mausole. La vista ha sido identificada como la de la ventana de su
dormitorio, orientada al este, una vista de la que Van Gogh pintó
variaciones. "A través de la ventana con barrotes de hierro", le
escribió a su hermano, Theo, alrededor del 23 de mayo de 1889,
"puedo ver un cuadrado de trigo cerrado sobre el cual, por la mañana, veo
salir el sol en todo su esplendor.
Van Gogh representó la vista en
diferentes momentos del día, incluido el amanecer, la salida de la luna, los
días llenos de sol, los días nublados, los días ventosos y un día con lluvia.
Si bien el personal del hospital no permitió que Van Gogh pintara en su
dormitorio, allí pudo hacer bocetos en tinta o carboncillo sobre papel;
eventualmente, basaría variaciones más nuevas en versiones anteriores. El
elemento pictórico que une todas estas pinturas es la línea diagonal procedente
de la derecha que representa las colinas bajas y onduladas de las montañas
Alpilles. En varias versiones, los cipreses son visibles más allá de la pared
del fondo que encierra el campo de trigo. Van Gogh amplió la vista en
seis de estas pinturas, sobre todo en Campo de trigo con cipreses y La noche
estrellada, que acercan los árboles al plano de la imagen.
Una de las primeras pinturas de la vista fue Paisaje
montañoso detrás de Saint-Rémy, ahora en Copenhague. Van Gogh hizo
varios bocetos para esta pintura, del cual destaca El campo de trigo cerrado
después de una tormenta. No está claro si la pintura se hizo en su estudio o en
el exterior. En su carta del 9 de junio que lo describe, menciona que había
estado trabajando al aire libre durante unos días. Van Gogh describió
el segundo de los dos paisajes, en el cual estaba trabajando en una carta a su
hermana Wil el 16 de junio de 1889. Este es trigal verde con cipreses, ahora
en Praga, y la primera pintura en el asilo que definitivamente pintó al
aire libre. Campo de trigo, Saint-Rémy de Provence, ahora en Nueva
York, es un estudio para él. Dos días después, Vincent le escribió a
Theo que había pintado "un cielo estrellado".
La noche estrellada es el único nocturno de la serie de
vistas desde la ventana de su dormitorio. A principios de junio, Vincent le
escribió a Theo: "Esta mañana vi el campo desde mi ventana mucho antes
del amanecer sin nada más que la estrella de la mañana, que se veía muy
grande". Los investigadores han determinado que Venus era visible al
amanecer en Provenza en la primavera de 1889, y en ese momento era casi tan
brillante como era posible. Entonces, la "estrella" más brillante en
la pintura, justo a la derecha del ciprés, es en realidad Venus.
La Luna es estilizada. Registros astronómicos indican que
en realidad estaba menguando gibosa en el momento que Van Gogh pintó el
cuadro, e incluso si la fase de la Luna hubiera sido cuarto menguante en el
momento, la Luna de Van Gogh no habría sido astronómicamente correcta.
El único elemento pictórico que definitivamente no era visible desde el cuarto
de Van Gogh es el pueblo, que se basa en un boceto realizado en una
ladera sobre el pueblo de Saint-Rémy. Pickvance pensó que se hizo más
tarde, el campanario más neerlandés que provenzal, una característica de varias
pinturas y dibujos de Van Gogh en su período de Nuenen, y por lo tanto,
la primera de sus " reminiscencias del norte" que iba a pintar y
dibujar a principios del año siguiente. Hulsker pensó que un paisaje en el
reverso también era un estudio para la pintura.
La noche estrellada es un óleo sobre lienzo del pintor
postimpresionista neerlandés Vincent van Gogh. Pintado en junio de 1889,
representa la vista desde la ventana orientada al este de su habitación de
asilo en Saint-Rémy-de-Provence, justo antes del amanecer, con la adición de un
pueblo imaginario. Ha estado en la colección permanente del Museo de Arte
Moderno de la ciudad de Nueva York desde 1941, adquirida a través de Lillie
P. Bliss Bequest. Ampliamente considerada como la obra maestra del pintor. La
noche estrellada es una de las pinturas más reconocidas en la historia de la
cultura occidental.
A raíz de la crisis sufrida el 23 de diciembre de 1888 que
resultó en la automutilación de su oreja izquierda, Van Gogh ingresó
voluntariamente en el manicomio de Saint-Paul-de-Mausole el 8 de mayo de
1889. Ubicado en un antiguo monasterio, Saint-Paul-de-Mausole que atendía a los
ricos y estaba a menos de la mitad de su capacidad cuando llegó Van Gogh, lo
que le permitió ocupar no solo un dormitorio en el tercer piso, sino también
una habitación en la planta baja para utilizar como estudio de pintura.
Durante el año en que Van Gogh permaneció en el asilo, continuó la prolífica producción de pinturas que había comenzado en Arlés. Durante este período, produjo algunas de las obras más conocidas de su carrera, incluidos los Lirios de mayo de 1889, ahora en el Museo J. Paul Getty, y el autorretrato azul de septiembre de 1889, en el Museo de Orsay. La noche estrellada fue pintada a mediados de junio (alrededor del 18 de junio), fecha en la que le escribió a su hermano Theo para decirle que tenía un nuevo estudio de un cielo estrellado. Orsay una vieja estación de tren a los magenes del Sena en París, es para nosotros uno de los mejores museos del impresionismo y el posimpresinismo, en la atmosfera que Jesús Silva Herzog, relato de la siguiente forma, Paris, bien vale una misa, y nosotros agragarias y Orsy bien vale una fortuna, la fortuna de pasera por sus salones.
Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Montfa
La Lavandera
Toulouse-Lautrec (24 de noviembre de 1864-Saint-André-du-Bois, 9 de septiembre de 1901), conocido simplemente como Toulouse-Lautrec, fue un pintor y cartelista francés, que destacó por la representación de la vida nocturna parisina de finales del siglo XIX. Se le enmarca en el movimiento postimpresionista.
Nació en el castillo de Albi en el seno de una familia
de la nobleza. En su familia, como era habitual en muchas dinastías de la
antigua aristocracia, muchos matrimonios se concertaban entre parientes para
evitar las divisiones territoriales y la dispersión de la fortuna. Este fue el
caso de los padres de Henri, el conde Alphonse de
Toulouse-Lautrec-Montfa (1838-1913) y Adèle Tapié de Celeyran (1841-1930),
que eran primos en primer grado. La endogamia hubo de condicionar la salud del
artista. fue el primogénito y cuando tenía cuatro años nació su hermano Richard-Constantine,
que falleció un año después. Sus padres se separaron en 1868 y él quedó bajo el
cuidado de su madre. El padre era un aristócrata que pertenecía al Jockey Club,
hombre de mundo y de caballos, nunca quiso asociar su nombre con el pequeño Henri,
a quien sin disimulos lo avergonzaba.
Su infancia fue feliz a pesar de que padeció una enfermedad
que afectaba al desarrollo de los huesos y que comenzó a manifestarse en él en
1874. Su constitución ósea era débil y entre mayo de 1878 y agosto de 1879
sufrió dos fracturas en los fémures de ambas piernas, que le impidieron crecer
más, alcanzando una altura de 1,52 m, a pesar de que su madre, preocupada por
su salud y crecimiento, consultó a numerosos médicos y le llevó a tomar baños
termales.
Toulouse-Lautrec decidió ser pintor, y con el apoyo de su tío Charles y varios pintores amigos de la familia, como Princeteau, John Lewis Brown y Jean-Louis Forain, fue a vivir a París en 1881. Allí, fue alumno de Léon Bonnat, que era un retratista de moda, y, cuando se cerró el taller de Bonnat en septiembre de 1882, tuvo que buscar un nuevo maestro, que fue Fernand Cormon. En el estudio de Cormon se hizo amigo de Vincent van Gogh.
Oleo de Van Gogh por Toulouse-Lautre
En 1884 Toulouse-Lautrec fue a vivir al barrio de
Montmartre, donde tuvo vecinos como Edgar Degas. La fascinación que
sentía por los locales de diversión nocturnos le llevó a frecuentarlos con
asiduidad y hacerse cliente habitual de algunos de ellos, como el Salón de
la Rue des Moulins, el Moulin de la Galette, el Moulin Rouge, Le Chat Noir o el
Folies Bergère. Todo lo relacionado con este mundo, incluida la
prostitución, constituyó uno de los temas principales en su obra. En sus obras
de los bajos fondos de París pintaba a los actores, bailarines, burgueses y
prostitutas. A estas las pintaba en su vida cotidiana: mientras se cambiaban,
cuando acababan cada servicio o cuando esperaban una inspección médica.
Salon del Mouline Rouge
Los dueños de los cabarés le pedían que dibujara carteles
para promocionar sus espectáculos, algo que entusiasmó mucho a Lautrec,
ya que en sus largas noches en estos locales dibujaba todo lo que veía y lo
dejaba por las mesas. Al contrario que el incomprendido Vincent van Gogh,
Toulouse-Lautrec llegó a vender obras y fue reconocido, si bien su
popularidad radicó en sus ilustraciones para revistas y carteles publicitarios
más que en la pintura al óleo.
Tuvo grandes amigas como la bailarina Jane Avril, a la cual dedicó varios cuadros y carteles. Conoció a bailarines reconocidos como Valentín el Descoyuntado, payasos y demás personajes de las fiestas y espectáculos de los suburbios. Este mundillo de vicio y extravagancia fue un refugio para Lautrec, quien se sentía rechazado por la nobleza a la que pertenecía por origen. Su discapacidad causaba rechazo en los salones chic, y en Montmartre pudo pasar desapercibido y dar rienda suelta a su bohemia. Criticaba a todos aquellos que reflejaban paisajes en sus cuadros, ya que él opinaba que lo que verdaderamente valía la pena eran las personas, el pueblo. Se consideraba a sí mismo un cronista social y se mezcló, pintó y fue como el pueblo. Pintó grandes obras como La inspección médica.
Salón del Moline Rougsoe
Tenía problemas con el alcohol y además contrajo sífilis,
lo que muchas veces derivaba en accesos de locura. El alcoholismo deterioró su
salud, y a partir de 1897 padeció manías, depresiones y neurosis, además de
ataques de parálisis en las piernas y en un costado. En 1897 tuvo que ser
recogido de las calles a causa de una borrachera, y poco después en un delirium
tremens llegó a disparar a las paredes de su casa creyendo que estaban llenas
de arañas. Sin embargo, seguía pintando de forma firme y rápida; pero lo
volvieron a recoger alcoholizado en 1899 y lo internaron en un sanatorio
mental, donde realizó una colección de pinturas sobre el circo. Le dejaron ir a
casa de su madre en las posesiones de esta cerca de Burdeos, y el 9 de
septiembre de 1901 murió postrado en su cama del Château Malromé.
En 1922 su madre y su marchante abrieron el Museo
Toulouse-Lautrec en el Palacio de la Berbie de Albi, muy visitado y
reconocido por su amplia colección.
La obra de Toulouse-Lautrec se caracteriza por su
estilo fotográfico, al que corresponden la espontaneidad y la capacidad de
captar el movimiento en sus escenas y sus personajes, siendo el suyo un estilo
muy característico. A esto hay que añadir la originalidad de sus encuadres, influencia
del arte japonés, que se manifiesta en las líneas compositivas diagonales y el
corte repentino de las figuras por los bordes. Poseía una memoria fotográfica y
pintaba de forma muy rápida. Sin embargo, su primera influencia fue la pintura
impresionista y, sobre todo, la figura de Edgar Degas, de quien siguió
la temática urbana alejándose de los paisajes que interpretaban Monet o
Renoir. Estuvo a la vanguardia del modernismo y del Art Nouveau.
Lautrec fue fundamentalmente un
dibujante e ilustrador, tareas que le permitieron subsistir. Sus pinturas al
óleo son comparativamente escasas y apenas las expuso en vida. Al contrario que
Van Gogh, su fama de persona marginal no implicaron que fuese un artista
fracasado; y de hecho fue muy popular por sus ilustraciones y carteles
publicitarios. Aportó quince diseños al semanario Le Rire y también ilustró el
programa de mano del estreno teatral de Salomé, de Oscar Wilde.
Paris, ciento cincuenta años despues Pigale, Montmarte sigue siendo el barrio de la vida alegre, certificando que la profesión mas vieja del mundo, sigue viva y latente entre la bohemia, la noche y los cafés del Can Can.
Pigalle es un barrio de París (Francia) cuyo centro es la
plaza Pigalle, que comprende las calles situadas a ambos lados de los bulevares
de Clichy y Marguerite-de-Rochechouart, y se extiende por los distritos IX y
XVIII. La plaza debe su nombre al escultor Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785).
El barrio es famoso por ser un punto de "entretenimiento para adultos mayores" (se encuentra bajo la colina de Montmartre). Su reputación de "barrio de mala muerte" hizo que los soldados aliados lo apodaran en la Segunda Guerra Mundial "Pig Alley". Sin embargo, los clubes nocturnos, los famosos cabarets y los letreros de neón multicolores que dan la imagen de barrio rojo existen 150 años despues de Toulouse-Lautrec son ahora en gran medida solo los nombres de Le Divan du Monde, el Élysée-Montmartre, La Cigale, Les Trois Baudets o, quizá el más icónico, el Moulin Rouge, inmortalizado por Toulouse-Lautrec a fines del siglo XIX, siguen haciendo la vida nocturna de Paris.
La entrada de dos mujeres de alta sociedad llegando a Mouline Rouge
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