Pablo
Picasso
Mujer
ante un espejo
Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 de octubre de
1881-Mougins, 8 de abril de 1973) fue un pintor y escultor español, creador,
junto con Georges Braque, del cubismo. Es considerado desde la génesis
del siglo XX como uno de los mayores pintores que participaron en los variados
movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran
influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Sus trabajos están presentes
en museos y colecciones de todo el mundo. Además, abordó otros géneros como el
dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el
diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales. También tiene una
breve obra literaria. Desde luego para los amantes de las cabras esculpió la
cabra de Málaga icono de los eventos de la especie.
Escultura
de la cabra de Málaga de Pablo Picasso
En lo político, Picasso se declaraba pacifista y
comunista. Fue miembro del Partido Comunista de España y del Partido Comunista
Francés hasta su muerte, acaecida a los noventa y un años, el 8 de abril de
1973, murió debido a un edema pulmonar en su casa de Mougins, Francia.
Las autoridades locales no permitieron que fuese enterrado en la mansión y su
esposa Jacqueline decidió enterrarlo en el castillo de Vauvenargues,
también propiedad de Picasso, donde ella también sería enterrada años
más tarde.
Picasso tiene tres etapas artísticas, inició joven en París
con el período azul, continuo con el período rosa para evolucionar
hacia la tercera etapa el
cubismo.
Las circunstancias de la época azul
comienzan con el suicidio de Carlos
Casagema, uno de los amigos más queridos de
Picasso. Picasso se traslada poco después a vivir a París, al estudio dónde vivió Casa Gema e
intenta, sin mucho éxito, triunfar en la pintura. Pobre, extranjero, solo,
rememorando al amigo muerto, es fácil entender que Picasso se sumiera en la
tristeza, que comenzara a ver el lado duro de la vida, la miseria, la soledad,
la desesperación. Y que fueran esos los sentimientos que reflejara en sus
cuadros.
Autorretrato Azul
La melancolía de la época azul de Picasso
se plasma en el Gran
Autorretrato azul, que representa al joven de 20 años
pálido y demacrado durante el invierno de 1901 y constituye el inicio de una
fase de orientación artística y persona, fue en este año que se suscitó el
suicidio de su mejor amigo Casagemas
debido a un desengaño amoroso y esto inicia
la época azul. A raíz de esto Picasso empieza a crear un universo de triste seriedad con
tonos azules, los marginados por la sociedad, personajes habituales en las
calles y las tabernas de las grandes ciudades como mendigos, ciegos, y mujeres
solitarias sumidas en la miseria, pueblan ahora sus cuadros, esta época
representa las obras más célebres y enigmáticas del pintor.
Desnudo Azul
Estas obras se caracterizan por una
opresiva atmósfera de desesperanza los omnipresentes tonos azules confieren a
los cuadros un carácter irreal, más allá del tiempo y el espacio. Es muy
difícil descifrar el significado de las pinturas azules, y Picasso siempre
evitó dar explicaciones al respecto, Cuando expuso ´por primera vez los
trabajos de esta época, los críticos elogiaron el expresivo simbolismo de los
cuadros, pero censuraron su profunda tristeza. Entre las obras más
representativas de esta época encontramos El gran autorretrato azul, La vida, El viejo guitarrista, Las
dos hermanas entre otras.
El período rosa. En abril de 1904 Picasso
se instaló en París en el Bateau-Lavoir, situado en el barrio de Montmartre.
Durante el verano tuvo una relación con «Madeleine», que aparece en varios
dibujos y pinturas, como La mujer del acróbata (Instituto de Arte de Chicago)
e inspiró el tema de La familia de Arlequín (1905). Con veintiún años los dos, Fernande
Olivier fue el primer amor verdadero de Picasso, y se convirtió
en su fuente de inspiración hasta 1910, aunque su relación no acabaría
definitivamente hasta 1912.
La familia de Saltimbanquis
En la primavera pintó una de sus principales obras de ese año, La
familia de saltimbanquis (1905), una clara evolución hacia la época rosa;
un paisaje desnudo y desdibujado en el que se enmarcan aisladas las bien
dibujadas y estilizadas figuras de los titiriteros, personajes marginales cuya
vida solitaria impresionaba a Picasso.
Durante el verano, hizo un viaje al norte de los Países Bajos,
y permaneció en Schoorl por seis semanas invitado por el escritor
neerlandés Tom Schilperoort. Durante su estancia pintó un desnudo, La
bella holandesa (Queensland Art Gallery, South Brisbane), y Las tres holandesas
(Museo Picasso, París), una versión personal del tema clásico de las tres
gracias. Tras un breve paso por París, pasó unas vacaciones en agosto con Fernande,
en Tiana, al noreste de Barcelona. A su vuelta en septiembre, Fernande
se mudó al modesto estudio de Picasso en el Bateau-Lavoir. El principio
de su relación fue muy feliz, y las pinturas y dibujos que realizaba Picasso
de Fernande celebraban su belleza y cercanía personal. Picasso tomó
por costumbre visitar las pequeñas galerías, y junto con Fernande acudía
a los populares vernissages de los salones oficiales.
Aunque la simplificación de rasgos y volúmenes son rasgos
precursores del cubismo, esta fue una etapa con entidad propia, que no puede
incluirse en ningún estilo reconocido. Podemos observar en estos cuadros sus
propios rasgos faciales incluso entre las figuras femeninas, lo que puede
apreciarse comparándolos con los autorretratos de esta serie. Esta estancia
tuvo un impacto importante en la obra de Picasso, pues las pinturas de Gósol
marcaron el comienzo de su revolución cubista el año siguiente. Años más tarde Picasso
retomó lo que hubiera sido el transcurrir lógico de este estilo, en su época
neoclásica.
La etapa rosa de Picasso
es posterior a la etapa azul, y anterior a la etapa negra, siendo esta última
la precursora del cubismo, del cual Picasso se considera creador y máximo exponente. La etapa
rosa surge a raíz de que Picasso se trasladó al barrio parisino de Montmartre, el
espacio de artistas por excelencia de la capital francesa. Así, es fácil
imaginar las influencias del ambiente artístico y bohemio del barrio en las
obras del pintor.
Efectivamente, en este periodo Picasso
convivía con numerosos actores y artistas callejeros de París. Había
un gran ambiente circense, ya que el barrio estaba situado cerca de un circo,
por lo que era fácil encontrar juglares, arlequines, saltimbanquis, acróbatas y
payasos, así como comediantes, pintores, cómicos, artistas, actores, poetas y
escritores. Este ambiente incidió en el hecho de que Picasso dejara su etapa
más fría, donde todo era azul, melancólico, triste.
Todo ese azul se transforma en un
color más cálido y vivo en esta etapa: el rosa. El rosa se hace con el
protagonismo absoluto de sus obras para dibujar personajes circenses. En esta
etapa de su vida conoce a su primera compañera, por lo que también la figura
femenina gana protagonismo en sus cuadros. Cabe destacar la evolución en su
forma de pintar coincidiendo con la etapa rosa: de unas figuras más angulosas y
escuálidas a otras más graciosas y llenas, aunque todavía lejos del cubismo
característico del pintor. Eso sí, los rostros de sus pinturas siguen denotando
una gran indiferencia, como si no tuvieran expresión ni sentimientos.
Las señoritas de Avignon
El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que
rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la
perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional.
Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas,
fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva
múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La
representación del mundo en donde pasaba a no tener ningún compromiso con la
apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se
sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas
diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un
rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece
en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista
único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces
acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los
violines, insinuados solo por la presencia de la cola de este.
A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan
no son tan nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y
retratos. Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del
impresionismo o el fovismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos
apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la
primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.
La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un
referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los
movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la
"crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante
como la misma práctica artística. De ahí en adelante, todos los movimientos
artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los
explicaban.
Reflejo fiel de una época y de unas luctuosas y dramáticas
circunstancias, el lienzo Guernica nació para formar parte del Pabellón
Español en la
Exposición Internacional de París, de 1937. El motivo que
impulsó a Pablo Picasso a realizar la escena representada en esta gran
pintura fue la noticia de los bombardeos efectuados por la aviación alemana
sobre la villa vasca que da nombre a la obra, conocidos por el artista a través
de las dramáticas fotografías publicadas, entre otros diarios, por el periódico
francés L'Humanité. A pesar de ello, tanto los bocetos como el cuadro no
contienen ninguna alusión a sucesos concretos, sino que, por el contrario,
constituyen un alegato genérico contra la barbarie y el terror de la guerra.
Concebido como un gigantesco cartel, el gran lienzo es el testimonio del horror
que supuso la Guerra Civil española, así como la premonición de lo que iba a
suceder en la Segunda Guerra Mundial. La sobriedad cromática, la intensidad de
todos y cada uno de los motivos, y la articulación de esos mismos motivos,
determinan el extremado carácter trágico de la escena, que se iba a convertir
en el emblema de los desgarradores conflictos de la sociedad de nuestros días.
Guernica ha suscitado numerosas y polémicas
interpretaciones, circunstancia a la que contribuye indudablemente la
voluntaria eliminación del lienzo de cualquier tonalidad ajena a la grisalla.
Al analizar su iconografía, uno de los estudiosos de la obra, Anthony Blunt,
divide a los actores de esta composición piramidal en dos grupos, el primero de
los cuales está integrado por tres animales: el toro, el caballo herido y el
pájaro alado que se aprecia tenuemente al fondo, a la izquierda. Los seres
humanos componen un segundo grupo, en el que figuran un soldado muerto y varias
mujeres: la situada en la zona superior derecha, que se asoma por una ventana y
sostiene hacia fuera una lámpara; la madre que, a la izquierda del lienzo,
grita llevando al hijo muerto; la que entra precipitadamente por la derecha; y
finalmente, la que clama al cielo, con los brazos alzados, ante una casa en
llamas.
En este mismo contexto, tampoco hay que olvidar que dos años
antes, en 1935, había grabado al aguafuerte la Mino tauromaquia, obra
sintética que condensa en una sola imagen todos los símbolos del ciclo dedicado
a este animal mitológico y que es, a la vez, el antecedente más directo de Guernica.
Los acontecimientos de la vida privada de Picasso, junto
a los sucesos políticos que atribularon al continente europeo en el período de
entreguerras, se fusionan en los motivos creados por el pintor en estos
momentos, para dar lugar tanto al propio Guernica como a sus bocetos y
post scriptum, considerados como unas de las obras de arte más representativas
del siglo XX
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